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Galerías de Madrid


Alcion Art Gallery
2
399

Horario: De lunes a viernes de 10.30 a 14.00 h. y de 17.00 a 20.30 h.
Sábados mañanas

Horario:
De lunes a viernes
de 10.30 a 14.00 h.
y de 17.00 a 20.30 h.
Sábados mañanas

Paisajes Franceses
Siglos XIX y XX

Del 5 al 31 de mayo de 2008

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Paisajes Franceses. Siglos XIX y XX.
La campiña y los bosques franceses, por su diversidad, tienen una gran riqueza de matices y recursos paisajísticos que van desde las brumosas tierras norteñas de Bretaña y Normandía a las más luminosas y mediterráneas del Languedoc o la Provenza.

La exposición que presenta la galería Alción está dedicada precisamente a esos paisajes geniales que los artistas franceses y europeos lograron plasmar con sus pinceles a lo largo del siglo XIX y principios del XX. Son obras que la historia del arte ha sancionado por su maestría y que se encuentran en los mejores museos y colecciones del mundo; y ahora se exhiben en una muestra de réplicas actuales, certificadas y autorizadas pintadas a mano y en óleo sobre lienzo por expertos copistas de contrastada calidad.

Los grandes maestros clásicos del siglo XVII como Poussin o Lorrain pintaban sus paisajes en el estudio. Los paisajes pintados directamente “del natural” (sur le motiv) se empiezan a plasmar con artistas de principios del siglo XIX como Corot que se convierte en pionero de la conquista de la luz y de los espacios naturales creando obras de un lirismo incomparable. Sus paisajes ansían captar la verdad natural y abre el camino para la pintura en plein air. En el bosque de Fontainebleau encuentra Corot una eficaz fuente de inspiración, y siguiendo su ejemplo, numerosos pintores franceses se trasladan a Barbizon. Este camino de pintura al aire libre iniciado por Corot y continuado por los artistas de la Escuela de Fontainebleau explotará con los impresionistas; artistas como Edouard Manet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley, Camille Pissarro o Paul Cézanne que crearán obras llenas de luz y vitalidad.

En la exposición podremos admirar cerca de veinte paisajes que van desde las bucólicas e idílicas vistas campesinas de Corot, hasta los paisajes de la Provenza de Cézanne, pasando por los tonos verdes de Pissarro o grisáceos-azulados de Boudin entre otros.

Tel:

91 319 30 37

Calle Orellana, 14
(Esquina con Argensola)
28004 - Madrid

Fax:

 

E-mail:

info@alcionart.com

URL:

www.alcionart.com

 

Anagma Tokio
2
265

Tel:

91 400 99 00

C/. Pez Volador, 1 - 11
28007 - Madrid

Fax:

91 573 08 09

E-mail:

 

URL:

 

 

Arte Infantas
2100

Horario: De martes a viernes de 17.30 a 21.00 h.

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Eugenio López Berrón

Del 29 de abril al
30 de mayo de 2008

Tel:

91 521 61 02

C/. Infantas, 19
28004 - Madrid

Fax:

 

E-mail:

arteinfantas@arteinfantas.com

URL:

www.arteinfantas.com

 

Ateneo de Madrid
2083

Horario de visita: De 17.00 a 21.00 h.
(Excepto Sábados y Festivos)

Tel:

91 429 17 50

Ateneo de Madrid
Sala Santa Catalina
C/. Santa Catalina, 10 - Madrid

Fax:

91429 79 01

E-mail:

prensa@ateneodemadrid.es

URL:

www.ateneodemadrid.com

 

BENVENISTE Contemporary
2
382

Horario: De lunes a viernes de 10.00 a 14.00 h. y de 17.00 a 20.30 h.
Sábados previa cita


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Call of the Wild
A K Dolven, Carsten Höller, Olav Christopher Jenssen,
Bjarne Melgaard, Cardiff & Miller, João Penalva

Del 27 de marzo al 31 de mayo de 2008
En colaboración con Niels Borch Jensen galerie, Berlín

 

Call of the Wild: A K Dolven, Carsten Höller, Olav Christopher Jenssen, Bjarne Melgaard, Cardiff & Miller, João Penalva.
La exposición que puede verse en la galería BENVENISTE Contemporary de Madrid hasta el próximo 31 de mayo reúne bajo el título Call of the Wild ( La llamada de lo salvaje ) un conjunto de artistas internacionales con una consolidada carrera artística.

Retomando como hilo conductor el título de la novela del escritor americano Jack London The Call of the Wild, se muestra una selección de obra gráfica de los artistas Casten Höller, AK. Dolven, Janet Cardiff & George Bures Miller, João Penalva, Bjarne Melgaard y Olav Christopher Jenssen. El instinto animal de aquel perro que protagonizara el libro de London, podría perseguir su reflejo ante las imágenes que componen esta exposición.

La pulsión de lo salvaje se respira en la obra de AK Dolven Headlights que muestra la imagen de una pareja que parece huir al ser sorprendida por el potente haz de luz que, podemos suponer, procede de los focos de un automóvil. Dolven ha elegido la técnica del photo gravure que le ha permitido trabajar la intensidad del negro profundo hacia la que camina la pareja.

No menos inquietante es la obra de Bjarne Melgaard Life is a lonely Buffalo en la que lo salvaje aparece filtrado bajo la presencia de lo sexual. Un mosaico de imágenes realizadas con la técnica de grabado calcográfico, la punta seca, nos muestran la figura desdibujada de un hombre desnudo y expuesto a la mirada del espectador.

Cuando lo salvaje abandona la violencia, deja entrever lo misterioso, la incógnita de lo que está por suceder. The Study for the Murder of Crows de Janet Cardiff & George Bures Miller muestra el momento que precede al crimen. El cielo rojo ardiente, que vemos en el paisaje nos da una pista de la brutal acción. La naturaleza en estado salvaje inquieta a un espectador que conecta con su mirada la gama cromática de esta obra con la serie de Carsten Höller Mushroom, compuesta por doce piezas trabajadas a partir del efecto estereoscópico. La serie de setas venenosas, que ha realizado la artista con la técnica del photo gravure, es la muestra de que lo natural tiene la capacidad de convertirnos en seres irracionales.

Esta naturaleza engañosa de las cosas es también protagonista en la obra London Planes del artista portugués João Penalva, quien juega a confundir y desorientar nuestro razonamiento, como posiblemente lo haga también Olav C. Jenssen cuando nos muestra en la serie que se expone en esta exposición, fragmentos de seres humanos, pero también otros deformados que se alternan con patrones y formas que bien podrían desembocar en lo natural.

Lo salvaje se convierte en Call of the Wild en una suma de sentencias escritas desde lo humano y presencias mostradas desde lo natural.

La exposición ha sido editada en colaboración con Niels Borch Jensen galerie de Berlín, y las obras han sido editados por Niels Borch Jensen en su taller de Copenhague.

Tel:

91 369 29 88

Fernanflor 6, Bajo C
28014 - Madrid

Fax:

91 369 51 08

E-mail:

bcpp@benveniste.com

URL:

www.benveniste.com

 

Blanca Soto Arte
2
323

Tel:

91 402 33 98

C/. Alameda, 18
28014 - Madrid

Fax:

91 360 09 82

E-mail:

galeria@galeriablancasoto.com

URL:

www.galeriablancasoto.com

 

camara oscura
Galería de Arte
2
361


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MISS ANIELA
"Self-gazing"

Del 17 abril al 31 mayo 2008
Inauguración: Día 17 de abril a las 20.00 h.
En la inauguración contaremos con la presencia de la artista Miss Aniela.

 

MISS ANIELA: "Self-gazing".
El próximo jueves 17 de abril se inaugura la primera exposición individual en España de la fotógrafa británica Miss Aniela (Leeds, 1986) en la galería camara oscura.

Miss Aniela es una jovencísima artista que se ha hecho famosa de la noche a la mañana gracias a sus autorretratos difundidos a través de Internet. Su estilo feminista y provocativo genera controversias sin dejar de ser original.

Los primeros trabajos de Miss Aniela presentaban un país de las maravillas alrededor de la idea del “yo múltiple”. Sus trabajos más recientes desarrollan el autoretrato introspectivo donde la luz en todas sus facetas baña la figura femenina desnuda o semi-desnuda. Una carga de erotismo casi místico se despliega a través de los ambientes, las narraciones secretas y el voyeurismo. Asimismo las fotos de Miss Aniela hacen abiertas alusiones a la pintura, con una meticulosa y “fantástica” post-producción digital que subraya el cuerpo femenino sin dejar de lado la inmediatez de la fotografía como medio.

La obra de Miss Aniela ha abierto un interesante debate sobre el desnudo femenino y su lugar en la historia del arte. El canon tradicional nos ha llevado a los espectadores a contemplar el cuerpo de la mujer pero se ha vetado que la propia mujer se contemplara a sí misma o controlara su propia imagen. Miss Aniela subvierte esta convención presentando a la mujer de forma reflexiva, cuyo cuerpo no es algo exclusivo para la mirada masculina. Ella tiene el poder de exhibirse y controlar cómo es percibida. Así Miss Aniela utiliza la tecnología digital para enfrentarse a nuestros prejuicios sobre el rol de la musa y los mecanismos del deseo.

Las referencias al trabajo de Cindy Sherman son evidentes. El enfoque de Sherman sobre los clichés de la mujer en el cine y los medios ha allanado el camino al cuestionamiento de la belleza femenina en la forma que Miss Aniela lo hace hoy.

Tel:

91 429 17 34

C/. Alameda, 16
28014 - Madrid

Fax:

 

E-mail:

info@camaraoscura.net

URL:

www.camaraoscura.net

 

CANO
estudio
2
301

Horario: De lunes a viernes de 11.00 a 19.00 h.

Tel:

91 429 77 74

C/. Alameda, 6
28014 - Madrid

Fax:

91 420 08 21

E-mail:

info@canoestudio.com
sintitulo@canoestudio.com

URL:

www.canoestudio.com

 

Capa Esculturas
2220

Ignacio Asenjo, Ángel Elías, Luisa Rodríguez, Quico Buendía,
Julio Murciego, Emilio Velilla
Tel:

91 431 03 65

C/. Claudio Coello, 19
28001 - Madrid

Fax:

 

E-mail:

galeriamadrid@capaesculturas.com

URL:

www.capaesculturas.com

 

Catarsis
Arte Contemporáneo
2128

Horario: De 10.30 a 14.00 h. y de 17.00 a 20.30 h.
(Cerrado lunes mañana, sábados tarde, domingos y festivos)


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CARLOS URBINA
LAS ESCULTURAS VIVAS DE CARLOS URBINA

Del 7 al 29 de mayo de 2008
Inauguración: Día 7 de mayo a las 20.00 h.

 

CARLOS URBINA.
LAS ESCULTURAS VIVAS DE CARLOS URBINA.
Carlos Urbina, invitado durante el mes de mayo en Catarsis.
La inauguración tendrá lugar el miércoles 7 de mayo a las 20 horas, con presencia del artista, y la exposición nos acompañará hasta el 29 del mismo mes.

El arte nos ha demostrado, y lo sigue haciendo, que hay muchas técnicas, procedimientos y materiales que pueden emplearse para concebir un objeto artístico. Todo depende de lo que desee expresar, sepa, quiera trabajar y tenga a mano el artista. Muchas veces son materiales industriales: lienzos y acrílicos para pintar o vidrio y acero con los que hacer alguna escultura, por ejemplo.

Hay artistas que, lejos de menospreciar estos elementos ya fabricados, retornan un tanto a nuestros orígenes y buscan en la naturaleza misma materiales con los que trabajar, como hacían los hombres en esa etapa prehistórica donde no existían los convencionalismos.

Carlos Urbina ha escogido en esta ocasión la piedra como base de sus esculturas. Cual zahorí, Urbina va en busca del agua dulce de los ríos para encontrar las piedras que luego conformarán sus trabajos. Las pule y las limpia con esmero, las decora con surcos y dibujos y las mima como un padre orgulloso.
Con ellas Urbina conforma esculturas de pequeño formato que, en sus propias palabras, son “para ver con los ojos de las yemas de las manos”.

Sus piedras además parecen estar dotadas de vida propia. Nos hablan y nosotros podemos escucharlas, sorprendidos, boquiabiertos, de que unas piedras, en principio inertes, se dirijan a nosotros. Y es que las piedras de Urbina son especiales. Si no, no hubiesen sido escogidas entre millones de iguales para ser transformadas en escultura y ser expuestas en Catarsis. Carlos Urbina traerá a Catarsis una instalación sonora que servirá para que las piedras traduzcan sus sentimientos en palabras.

Carlos Urbina, que ha trabajado durante muchos años las técnicas tradicionales de pintura y escultura, lleva desde 1987 incorporando a sus obras nuevas tecnologías y experimentando en el campo del arte digital.

Tel:

91 369 35 80

C/. Santa María, 15
28014 - Madrid

Fax:

91 541 91 62

E-mail:

catarsis@galeriacatarsis.com

URL:

www.galeriacatarsis.com

 

CUATRO DIECISIETE
GALERIA
22
44

Horario: Lunes a viernes de 11.00 a 14.00 h. y de 16.30 a 20.30 h.
Sábados de 11.00 a 14.00 h.

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Belén Gonzalo
"Silencio"
Obra sobre lienzo y papel

Del 17 de abril al 17 de mayo de 2008
Inauguración: Día 17 de abril a las 20.00 h.

Tel:

91 435 85 46

C/. Principe de Vegara, 17
28001 - Madrid

Fax:

91 435 84 66

E-mail:

galeria@cuatrodiecisiete.com

URL:

www.cuatrodiecisiete.com

 

distrito cu4tro
Galería de Arte
2259

Tel:

91 319 85 83

Bárbara de Braganza, 2
28004 - Madrid

Fax:

91 308 34 85

E-mail:

info@distrito4.com

URL:

www.distrito4.com

 

espacio distrito cu4tro
Galería de Arte
2260

Tel:

91 308 34 83

Plaza de las Salesas, 9 - 1º
28004 - Madrid

Fax:

91 308 34 85

E-mail:

info@distrito4.com

URL:

www.distrito4.com

 

Fundación de Arte y Gastronomía
2
270

Horario: De lunes a jueves de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00 h.

La Fundación Arte y Gastronomía es una iniciativa que pretende unificar el arte y la gastronomía como facetas culturales que tienen un gran número de coincidencias y que interesan al mismo perfil de personas.
La gastronomía es un arte, nadie lo pone en duda, pero tiene una consideración de arte menor. Asociar arte y gastronomía puede suponer cambiar la apreciación para convertirse en arte mayor.
Por otro lado, la gastronomía suscita un interés más generalizado que el arte y, apoyándose en actos y eventos de naturaleza gastronómica, podemos conseguir acercar al mundo del arte a un mayor número de personas.
Tel:

91 431 08 96

C/. Velázquez, 4 - 1º Izquierdo
28001 - Madrid

Fax:

 

E-mail:

Contactar

URL:

www.fundacionartegastronomia.com

 

Galería A.I.M.A
2197

Horario: De lunes a viernes de 17.00 a 21.00 h.

Desde el día 9 de mayo de 2008:
ÓSCAR HERNÁNDEZ SORIANO
(1944-2007)
Inauguración: Día 9 de mayo a las 18.30 h.
Organizada por sus familiares, amigos y compañeros.
Óscar Hernández Soriano fue un excelente artista, con una intensa actividad creativa durante toda su vida. Licenciado en Bellas Artes en la Academia de San Fernando de Madrid, alumno de Antonio López, de 1975 a 1980 cursa Bellas Artes en Estocolmo, Premio Nacional de Suecia, expuso su obra por diversas ciudades de todo el mundo (París, Estocolmo, El Salvador, Barcelona, Madrid, etc.). Realizó su última exposición en la Galería AIMA, en Julio del año 2007.
Tel:

91 401 82 23

C/. Padilla, 76
(Entrada por C/. Alcántara)
28006 - Madrid

Fax:

 

E-mail:

asociacion_aima@yahoo.es

URL:

www.asociacionaima.com

 

Galería Alexandra Irigoyen
2
318

Horario: De lunes a sábado de 10.00 a 14.00 h. y de 17.00 a 21.00 h.

Tel:

91 577 63 51

C/. Claudio Coello, 5
28001 - Madrid

Fax:

 

E-mail:

galeria@alexandrairigoyen.com

URL:

www.alexandrairigoyen.com

 

Galería Antonio Machón
2
310

Horario: Martes a sábado de 11.00 a 14.00 h. y de 17.00 a 21.00 h.


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MARCELO FUENTES
"La memoria de la ciudad"

Desde el día 24 de abril de 2008
Inauguración: Día 24 de abril

 

MARCELO FUENTES: "La memoria de la ciudad".
Uno suele repetir las mismas costumbres una y otra vez: levantarse y contemplar el mar aún no encrespado, sereno, casi helénico, de la mañana; leer algún poema; desayunar; y luego escuchar la música de Johann Sebastian Bach – las suites para violonchelo, quizá, el Clave bien temperado -, como si se tratara de una oración ritual, de un primer destello de alegría. Me gusta volver a estos ritos cotidianos, a las repeticiones, a la espera atenta – la attente, que escribiera Simone Weil – de no se sabe muy bien qué. La espera nos enseña a mirar, al igual que lo hace la escucha. Paul Claudel, el poeta francés, lo dijo en un título maravilloso y sorprendente: L’oeil écoute, el ojo escucha. Yo supongo que la pintura también lo hace, que el silencio, por así decirlo, tiene su luz, su color, su sombra nunca antes desvelada, al igual que lo tiene la música – Les ombres errantes de Couperin, por ejemplo – o la literatura. En una ocasión, Marcelo Fuentes me dijo que sólo los pájaros y la brisa dan cuenta del espacio, quizá como si quisiera explicar que son el espacio y el tiempo los que otorgan nitidez al arte y no lo enmascaran, no lo vacían disfrazando de lenguaje aquello que debe restar mudo. Marcelo se refería, claro está, a la intimidad del espacio, un espacio que nos llama y nos somete, que nos interpela con su misterio y nos desprende de la soledad. La inspiración – si tenemos que creer en ella – es siempre alteridad, un eco de algo que nos precede y que encuentra su encarnación en el arte. Ésta es una paradoja extraordinaria, ya que nadie es foco de su propia verdad. El silencio tiene su luz. Y me parece correcto contemplar la pintura de Marcelo Fuentes como un icono de este silencio, como un retablo de esta verdad inexpresada.

No recuerdo en qué momento, ni cuándo, oí hablar por primera vez de la obra de Marcelo Fuentes. Supongo que fue – como tantos otros descubrimientos – leyendo algún texto de Juan Manuel Bonet, quizá su libro-entrevista con el fotógrafo Bernard Plossu. No lo sé. Sí recuerdo, en cambio, los primeros cuadros suyos que vi: unas acuarelas y óleos neoyorquinos, unos paisajes marroquíes – Tánger, quizá - y una serie de aguafuertes romanos; una Roma – esa ciudad carnal como pocas - bellísima, racional, metafísica, que me era desconocida. En uno de esos grabados – Ostia, al fondo - surgía, apartada, una como luz blanca, casi escondida, que me hizo pensar en una fuga de Bach, en un contrapunto inquietante y misterioso visto desde la lejanía, sobre el que se asienta algo muy hondo. Pensé también en el Ángel de la historia de Paul Klee, tal y como nos lo ilumina el filósofo alemán Walter Benjamin: un ángel aletea creando el tiempo y, a su vez, la ruina. Los espacios callados, silenciosos, perturbadores, llenos de misterio, de esos cuadros: las marquesinas años cincuenta de Madrid, los bloques de apartamentos de Nueva York o la arquitectura industrial de Queens; la modernidad ya gastada, aviejada, de Valencia; los faros junto al mar – recuerdo uno ahora en el puerto de Nápoles – o los pinos, las encinas, los hayedos, apenas apuntados, ensimismados, de Teruel, de Mallorca, de Almería o de Galicia; esos espacios, digo, pintados, desvelados por Marcelo Fuentes, son una interrogación continua, una pregunta - ¿cómo decirlo? – que se dirige al tiempo, a las astillas del tiempo, a sus grietas, en una quest de la luz benjaminiana que se pierde entre las teselas de la historia y que luego se recoge como belleza trascendida que va yéndose de nuevo al silencio. De ahí que la pintura de Marcelo Fuentes no sea una pintura gastada ni usada, no sea el remedo de una técnica o de un estilo ni el tour de force del artista ensoberbecido, del aprendiz de demiurgo que pretende crear un mundo con su mirada sin llegar a encontrar nada más que el eco de su propia soledad. No es la soledad la que explica la densidad de estos cuadros sino el silencio que aúna la fragilidad de la historia, las huellas vivas de su ruina y esa nostalgia, diríase, de redención, de una verdad plena, absoluta, definitiva, donde nada se pierda.

Pintor de ecos y de voces, la pintura de Marcelo Fuentes es sólo metafóricamente metafísica. Joseph Joubert dijo algo muy hermoso en una ocasión: “Es preciso – escribió - que haya varias voces juntas en una voz para que sea verdadera.” En efecto, en estos cuadros uno no encuentra diálogos ni referencias platónicas, no hay idealizaciones ni esencialismos, sino algo muy distinto, muy joubertiano en este caso: la escucha de los ecos y de las voces del tiempo; como si al pintar, qué sé yo, un chaflán, un depósito de agua, el muelle de una ciudad o una torre, Marcelo Fuentes quisiera salvar toda esa memoria inaudible convirtiéndola en luz, en color y en sombra. La paradoja es, de nuevo, fascinante y ya se encuentra – nos lo recuerda Chrétien - en el libro del Éxodo: todo el pueblo veía voces, se lee en la Vulgata. Como si se tratara de una obediencia del alma – o de la carne -, el pintor no puede hacer mucho más que reflejar el color de esas voces, su fisicidad incluso. De ahí surge otra paradoja en la obra de nuestro autor, a saber: la ausencia de figuras humanas – hasta donde yo sé, absoluta – en una pintura llena de ecos y de susurros, llena de reflejos de la vida.

A veces, cuando me levanto por las mañanas, me pongo a contemplar el horizonte desde la terraza de mi casa. Veo el mar apuntando hacia Menorca y unas cuantas azoteas que perfilan el azul de ese mismo mar. Si dirijo mi mirada hacia la derecha, como unos fantasmas amigos que me pidieran permiso para tomar el té, creo vislumbrar un cuadro de Marcelo Fuentes: es un viejo hotel de los años 60, reconvertido ahora en bloque de apartamentos para extranjeros más o menos adinerados. En invierno, sólo alguna viejecita da de comer a los gatos que pueblan el jardín. Uno diría que esos gatos echan a faltar el afecto de las personas y se pasean tristes, somnolientos, por el lugar. Entonces pienso en Marcelo Fuentes y en sus arquitecturas. Pienso en la soledad y en el silencio, pienso en la melancolía. Y me digo: yo ya he estado aquí, en estas calles, en estos edificios tan aparentemente vacíos. Y los miro como retablos, sí, como cuadros de Marcelo Fuentes perdidos en cualquier lado: en una ciudad, en el apeadero de un tren, en una urbanización avejentada junto a la playa, en un bulevar.

Y de este modo, Marcelo Fuentes nos enseña a contemplar el rostro de la ciudad. Y uno deambula por sus calles, asombrado por tanta belleza antes oculta. Y se lo agradece – aunque sea en la intimidad callada del instante –porque al reflejar esta belleza en sus cuadros la inserta en la memoria de las ciudades, que es también la memoria del mundo y de los hombres.

Tel:

91 532 40 93

C/. Conde de Xiquena, 8
28004 - Madrid

Fax:

91 531 21 40

E-mail:

galeria@antoniomachon.com

URL:

www.antoniomachon.com

 

Galería Arnés y Röpke
2021

La Galería Arnes y Röpke es filial de Stefan Röpke de Colonia. La galería nace en 1992 con el propósito de organizar exposiciones de artistas de interés internacional, como Robert Mapplethorpe, Julio González o Georg Baselitz, bajo mas líneas de actuación que se mueven en la interrelación entre arte abstracto y figurativo como es el caso de Miguel Barceló, Aportolos Palavrakis o Max Neimann. En 1998 se inaugura la galería Arnés y Röpke en Madrid.

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Michael Morgner

Del 4 de abril al
27 de mayo de 2008

Inauguración:
Día 4 de abril a las 20.00 h.

Michael Morgner.
El artista estará presente en la inauguración.
Michael Morgner, nacido en Chemnitz en 1942 y uno de los fundadores del legendario grupo de artistas "Clara Mosch", crítico con el sistema, fue presentado al público internacional en numerosas exposiciones organizadas en museos. La fuerza tanto gráfica como simbólica de su obra le dio a conocer muy pronto más allá de las fronteras de la República Democrática Alemana. El tema de sus cuadros es, una y otra vez, el conflicto entre arte, individuo y sociedad. Nos hablan de la lucha del individuo por alcanzar la libertad contra obstáculos aparentemente insalvables y nos ponen a la vista el sufrimiento del individuo ante el fracaso, pero también nos muestran al ser humano en el momento de la victoria, cuando deja tras de sí sus cadenas.

Su obra, de gran expresividad, está caracterizada sin embargo por la búsqueda de la sencillez y por una progresiva reducción del lenguaje figurativo y sígnico. Morgner obtiene energías simbólicas y compositivas de formas tan puras como la cruz, la barra y el triángulo. La simbología cristiana es su alfabeto, su repertorio artístico de signos, con el que vehicula gráficamente los mensajes existenciales de la angustia, la muerte y la esperanza. A ello se añade una cercanía a la muerte experimentada personalmente y manifestada en varios grupos de obras. Sus ciclos de cuadros giran en torno a las figuras simbólicas de la "angustia" y del "fracasado" y a las variaciones del "Ecce Homo". El "Gran Fracasado", que entra en su obra a partir de 1980, se puede ser considerar como un alter ego del pintor, que opone a la pasividad la energía psíquica. En los ciclos "Réquiem alemán” y “Réquiem judío” el artista se enfrenta a la persecución y la aniquilación de las personas de distinta ideología o credo durante las dictaduras alemanas.

Morgner prefiere trabajar sobre papel. Con frecuencia pone varios pliegos, unos junto a otros, sobre lienzos relativamente grandes. Las operaciones artesanales más importantes son estampaciones, lavados y splittings. Desde los años 90 ataca la superficie de la obra cada vez con más energía. A lo largo de varias fases de trabajo destruye la “piel” del cuadro, desgarrando jirones de papel. El procedimiento técnico empleado recuerda a la evolución que siguen las heridas y las cicatrices. Además de tinta china Morgner utiliza pinturas asfálticas, y como disolventes agua y terpentina. A menudo cubre hojas con metáforas figurativas desarrolladas de forma serial.

En 1995 surgen los primeros bocetos escultóricos, que tienen la “angustia” por tema. En 1996 el artista trabaja en su primera escultura de acero de gran formato: "Hombre reliquia". El acero es para Morgner el material que más se adecua a su voluntad expresiva: la dureza “tecnoide” guarda correspondencia con la monocromía elemental. Los cambios “naturales” causados por los distintos agentes atmosféricos son metáforas, inmanentes al propio material, del carácter relativo y pasajero de todas las cosas.

Tel:

91 702 14 92

C/. Conde de Xiquena, 14
28004 - Madrid

Fax:

91 702 16 39

E-mail:

arnesyropke@hotmail.com

URL:

www.galeriaarnesyropke.com

 

Galería Artetrece
2
345

Tel:

91 391 56 74

C/. Belén, 13
28004 - Madrid

Fax:

 

E-mail:

galeria@artetrece.com

URL:

www.artetrece.com

 

Galería Arte 10
2051

Horario: De martes a sábados de 10.00 a 14.00 h. y de 17.00 a 21.00 h.
Festivos y lunes cerrado

"Entre Hierro y Papel", sobretítulo con el que Arte 10 articula el estandarte de sus muestras, continúa en el propósito - lo viene haciendo ya desde 1998 - de seguir mostrando en su espacio su Colección de Obra Gráfica mediante la articulación de su contenido en propuestas sucesivas, en recorridos gráficos mensuales por las tendencias creativas del S.XX, por los grupos artísticos más destacados o por las individualidades más sonadas.
La Colección constituye hoy ya un conjunto superior a las 1700 estampas de este siglo que Arte 10, a lo largo de la década de los 90 ha ido editando y adquiriendo.
El apoyo temporal de títulos con los que se suplementan algunas de las muestras de "Entre Hierro y Papel" persiguen un doble objetivo: Por un lado el de cohesionar la muestra en sí ampliándola y complementándola, y por el de nutrirla.
Entre sus propias propuestas, Arte 10 intercala otras que nada tienen que ver con su Colección. Se trata de talentos o conjuntos más o menos conocidos, de intercambios o colaboraciones que pretenden cubrir aquellas lagunas de la propia Colección.
Tel:

91 530 21 33

C/. Sánchez Bustillo, 7
(Frente a la entrada principal del Museo Reina Sofía)
28012 - Madrid

Fax:

91 530 59 15

E-mail:

fdiez@arte10galeria.com

URL:

www.arte10galeria.com

 

Galería Barbarin
2
375

Horario: De lunes a viernes de 16.00 a 21.00 h.
Sábados de 11.00 a 14.00 h.

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JAVIER PULIDO
"ALASOORA"

Del 8 de mayo al
13 de junio de 2008

Inauguración:
Día 8 de mayo a las 20.00 h.

JAVIER PULIDO: "ALASOORA".
Javier Pulido (Madrid, 1967) realiza en Galería Barbarin una nueva exposición individual, tras Retablos (2003) y Lumpen (2005), celebradas en la recientemente desaparecida Galería Amparo Gámir. Con el eufónico y exótico nombre de Alasoora Pulido presenta un conjunto de obras recientes, creadas entre 2007 y 2008, entre ellas sus habituales gouaches recortados y serigrafías, que son su primera incursión en el terreno de la gráfica.

Hay una figura-signo que de manera recurrente aparece en las distintas series pictóricas que Javier Pulido (Madrid, 1967) ha desarrollado a lo largo de su carrera. Es un ser antropomórfico asexuado, dotado de un rostro sin rasgos, que según esté recortado nos sugiere distintos tipos de personas que el artista ubica en variados escenarios; uno, recurrente son los jardines, en los que estos personajes transitan o habitan, donde prolifera con profusión tropical y asfixiante una flora extraña, un engendro a medio camino entre lo animal y lo vegetal. Plantas trepadoras cuyo fruto en sazón es un ojo inquisidor, calaveras desdentadas o corazones, “rizomáticos circuitos sanguíneos” en palabras de Francisco Carpio.

Pulido construye sus obras por medio de claves espaciales mínimas y precisas, según los principios de la perspectiva ilusionística clásica, que en su ambigüedad escenográfica pueden ser leídos como claustrofóbicos interiores arquitectónicos de bloques pétreos que aplastan y engullen al elemento vivo y simultáneamente considerarse paisajes de una geografía extraña, donde el orden de la naturaleza ha sido subvertido y lo mineral, lo vegetal y lo animal son categorías intercambiables. Parte de los trabajos que se presentan en esta exposición se titulan con el eufónico y exótico nombre de ciudades de Madagascar, Antananarivo o Antsirabe. La isla-continente, que se desgajo hace millones de años de África y de la India a la vez, es un ente geográfico particular, desubicado, varado en medio del océano Indico y que como todo buen consumidor de documentales de naturaleza sabe posee una fauna y una flora singulares que se desarrollaron según leyes evolutivas propias, ajenas a las del vecino continente africano gracias a su aislamiento oceánico. Aunque esta isla más que ser un eje central de la exposición, si nos referimos a su representación física en las obras, está presente fundamentalmente en una sonoridad exótica, evocadora de un nuevo campo de asociaciones de ideas. En este sentido si buscamos asociaciones literarias podríamos pensar en el congo colonial que describió Conrad en En el corazón de las tinieblas, un espacio extremo donde la selva primigenia e ignota predisponía con fatalismo ambiental a que los hombre se despojaran de su leve capa de civilidad para entregarse con frenesí a la barbarie.

A lo largo de 2007 Pulido ha trabajado en otra serie de obras que ha denominado Jardín. Jardín y paraíso son conceptos complementarios. Paraíso es una palabra que tiene su origen en una antigua lengua persa y hace alusión a un espacio cercado, recreado con plantas y animales cuidadosamente dispuestos para el deleite sensorial de su poseedor. Michel Onfray en su alegato contra las religiones del Libro prefiere referirse al paraíso prometido a los creyentes tras la muerte como geografía histérica y antimundo deseable. Esa condición de geografía histérica puede atribuirse sin duda al universo visual del pintor, un espacio donde los elementos más que estar ordenados se apelotonan y se superponen en un caos compositivo, ajeno a cualquier clase de jerarquía narrativa, en el que ha sido abolido el principio de escala, donde, como ocurre en la obra de los primitivos flamencos todas las historias ocurren a la vez y en el mismo lugar, de manera que el espectador esta obligado a recorrer minuciosamente la superficie descifrando cada una de las microescenas que le asaltan exigiendo su atención.

El estudio de la naturaleza nos ha enseñado que ciertos animales y plantas desarrollan mecanismos de camuflaje que les hacen parecer, frente a sus potenciales depredadores, más poderosos y temibles de lo que son en realidad. Javier Pulido actúa en sentido inverso. Atrapa con la apariencia amable de sus pinturas, a base de tintas planas de colores básicos y una estética de diseño gráfico, para revelar, como una trampa visual para desprevenidos, un fondo donde están letalmente dosificados lo cruel y lo paródico, el rito caníbal y su simulacro carnavalesco, las referencias a la alta cultura y el recurso a elementos que remiten a la cultura pop.
Félix Fuentes, abril 2008

Tel:

91 384 61 28

Av de Manoteras 10, A007
28050 - Madrid

Fax:

 

E-mail:

info@galeriabarbarin.com

URL:

www.galeriabarbarin.com

 

Galería Daniel Cardani
2013

Especialidad:
Pintura Española de los Siglos XIX y XX de artistas consagrados.
Escultura Española Moderna de artistas consagrados.
Arte Internacional.
Horario:
Lunes a viernes: De 11.00 a 14.00 h. y de 17.00 a 20.30 h.
Sábado: De 11.00 a 14.00 h.
(Agosto cerrado).
Propietario: Daniel Cardani.
Fundación: 1985
Fondo: Pintura Española de los siglos XIX y XX (Permanente).

Tel:

91 458 82 79
60 781 44 40

C/. Profesor Waksman, 12
28036 - Madrid (Zona Bernabéu)

Fax:

91 458 89 74

E-mail:

info@galeriadanielcardani.com

URL:

www.galeriadanielcardani.com

 

Galería de Arte Alfonso XIII
Artetrece
2
297

Horario: Lunes a viernes de 11.00 a 14.00 h. y de 17.00 a 20.30 h.
Sábados de 11.00 a 14.00 h.

Pintura española del siglo XX y Vanguardias Clásicas.
Obra gráfica Original: Grabados, litografías y serigrafías.
Escultura española.

Tel:

91 391 56 74

C/. Belén, 13
28034 - Madrid

Fax:

91 391 56 74

E-mail:

info@galeriaalfonsoxiii.com

URL:

www.galeriaalfonsoxiii.com

 

Galería de Arte Alfoz
2250

Horario: De lunes a viernes: De 17.00 a 20.30 h.
Sabados: De 10.00 a 13.30 h. y de 17.00 a 20.30 h.

Tel:

607 719 285
609 132 074
917 726 792

C/. Papagayo, 14
28025 - Madrid

Fax:

 

E-mail:

info@alfoz.net

URL:

www.alfoz.net

 

Galería de Arte Castelló 120
2
333

Horario: De lunes a sábado: De 11.00 a 14.00 h. y de 17.00 a 21.00 h.
Lunes mañana cerrada

Tel:

91 564 48 06

C/. Castelló, 120
28006 - Madrid

Fax:

91 564 47 26

E-mail:

info@castello120.com

URL:

www.castello120.com

 

Galería de Arte del Louvre-Ispahan II
2
267

Paisajes, pintores franceses siglos XIX y XX

Tel:

91 576 96 82

C/. Serrano, 5 - 3ª Planta
28001 - Madrid

Fax:

 

E-mail:

galerialouvre@hotmail.com

URL:

 

 

Galería de Arte Dionís Bennassar
2238

Horario: De martes a sábado de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00 h.

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FERNANDO SILVA
"Ensambles,collages y papiros"

Del 3 de abril al
3 de mayo de 2008

Inauguración:
Día 3 de abril a las 20.00 h.

FERNANDO SILVA: "Ensambles,collages y papiros".
Fernando Silva (Toledo 1955) desarrolla su trayectoria artística en su Toledo natal y es el integrante más joven del “Grupo Tolmo”. Un comprometido colectivo de artistas que desde 1971 asumió el vértigo de insertarse en la vanguardia española de la posguerra para ofrecer a los toledanos la posibilidad de contemplar el arte de vanguardia, promocionar a los artistas jóvenes de la ciudad y fomentar el coleccionismo de obras de arte.

Fernando Silva cree que a través de la imagen “podemos recibir otras sensaciones además del color, la forma, la proporción o la textura”. Considera el arte, y en su caso la pintura, como un medio que le permite materializar un hecho, una experiencia. “El fin es saber elegir, coger, dejar, tapar, poner, y en la mayoría de los casos, quitar”.

Influenciado por los expresionistas abstractos americanos, la transvanguardia italiana y la arquitectura minimalista, actualmente utiliza el collage, ya que lo considera el medio más versátil para poder expresarse con la libertad que requieren los temas que aborda. “No lo elegí, más bien fue al contrario, sobre todo cuando empecé a darme cuenta que era más importante utilizar lo que me encontraba que buscar en lo que realizaba”.

Audrey Tiffanys define la obra de Fernando Silva como: “Intenciones llenas de emotividad y capacidad creativa a partir de técnicas tradicionalmente contemporáneas (collage, estarcido, pigmentos…) pero, con un tratamiento muy particular, personalizando cada una de las propuestas, utilizando los recursos más elementales del lenguaje plástico; pero con unas intenciones que van más allá de lo que en principio puede dar como resultado cuando una obra aparentemente aparece acabada ante los ojos del contemplador ”.

La galería Dionís Bennassar presentará sus últimas obras en papel reciclado, manipulado activamente y tratado técnicamente a partir de materiales a priori ya usados como envases, trapos y papeles sobre diversos soportes. ¡Una obra rica y expresiva plenamente contemporánea!

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ADELAIDA MURILLO
"Geometrías"

Del 8 de mayo al
31 de mayo de 2008

Inauguración:
Día 8 de mayo a las 20.00 h.

ADELAIDA MURILLO: "Geometrías".

Adelaida Murillo (Palma de Mallorca, 1949), veterana artista mallorquina afincada en Barcelona presenta en la galería Dionís Bennassar su último y más personal trabajo.

El último trabajo de Adelaida surge de la recuperación y tratamiento de un cuaderno de su infancia. Un cuaderno que su padre dibujó y caligrafió con mimo para ayudarla en los estudios cuando era una niña. En sus páginas se explican teoremas matemáticos y se dibujan figuras geométricas diversas. Adelaida lo recupera ahora, en un momento de gran madurez personal y artística para presentarnos unas obras de sensible vigor pictórico en las que hay un diálogo continuo entre geometría y pintura.

Nos encontramos, en las palabras de la escritora Teresa Costa-Grammunt, ante “una pintura de fusión entre las formas desnudas, abstractas, espiritualizadas de la geometría, y lo corpóreo y sensual del tratamiento plástico empleado en sus lienzos”. Unas obras que se sostienen, por un lado, por la continuidad de un estilo consolidado, y por otro, gracias a la gran capacidad de la artista para armonizar las atmósferas de fondo y los detalles contrastados. Un juego entre lo real y lo imaginario, acentuado por un cálido cromatismo, claro reflejo de su mediterráneo natal.

La artista nos presenta en ésta ocasión, un trabajo de gran capacidad imaginativa y rico cromatismo que evocará en el espectador “el diálogo entre arte y ciencia, entre técnica y poesía.”

Adelaida Murillo cuenta con una abultada trayectoria artística donde exposiciones, publicaciones y premios se suceden desde su inicio en 1979 hasta la actualidad, siendo ésta la sexta vez que expone en la galería Dionis Bennassar.

Tel:

91 319 69 72
91 308 46 35

C/. San Lorenzo, 15
28004 - Madrid

Fax:

91 308 46 35

E-mail:

Correo

URL:

www.dionisbennassargaleriadearte.es

 

Galería de Arte Infantas
2
322

Horario: De martes a sábado de 17.30 a 21.00 h.
Abrimos los sábados por la tarde.

Tel:

91 401 74 60

C/. Alcalá, 140 - 1º Dcha.
28009 - Madrid

Fax:

 

E-mail:

arteinfantas@arteinfantas.com

URL:

www.arteinfantas.com

 

Galería de Arte KREISLER
2101

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FERNANDEZ PINEDO

Del 6 al 29 de mayo
de 2008

FERNANDEZ PINEDO.
Juan Manuel Fernández Pinedo(Madrid,1978),ha desarrollado una interesante y sorprendente evolución pictórica a lo largo de su carrera que comienza con sus estudios en la Escuela de Bellas Artes en 1992 y una beca de la Fundación Arauco, continúa con innumerables premios, algunos de gran prestigio y una importante trayectoria de exposiciones individuales(Valladolid, Vitoria, León, Madrid, Murcia…) además de su presencia en varias colecciones públicas y privadas como el museo Adolfo Lozano Sidro y la Fundación Arauco y culmina ahora con la nueva exposición que albergará la Galería Kreisler durante el mes de mayo.

En la anterior muestra ya sorprendió su madurez compositiva y su dominio del espacio y la luz, en aquella colección de óleos en las que el paisaje cotidiano era el tema recurrente.
En esta ocasión Fdez-Pinedo profundiza aún más en aquella investigación y nos convence por su personalidad creativa llena de matices y sutilezas de gran belleza y subjetividad, que le lleva a convertir el paisaje no en una representación meramente realista, sino en un mundo personal , cargado de reminiscencias oníricas y misterioso simbolismo lírico, todo ello a través una particular y rica paleta de colores ,una composición rigurosa, un trazo libre y exuberante y un gran dominio de los matices lumínicos, logrando con todo ello una fusión dónde la materia plástica es el auténtico tema de investigación.

Tel:

91 576 16 62
91 576 16 64

C/. Hermosilla, 8
28001 - Madrid

Fax:

91 577 87 88

E-mail:

kreisler@galeriakreisler.com

URL:

www.galeriakreisler.com

 

Galería de Arte Nadir
2
276

Horario: De martes a viernes de 18.00 a 20.00 h.
Miércoles de 18.00 a 22.30 h.
Sábados de 11.00 a 14.00 h.
Mañanas previa cita

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Helga Dietrich
"Mucha gente y tres pajarracos"

Del 9 de abril al
10 de mayo de 2008

Inauguración:
Día 9 de abril a las 20.00 h.

Helga Dietrich: "Mucha gente y tres pajarracos".
La Galería de Arte Nadir inaugura la exposición de Helga Dietrich, "Mucha gente y tres pajarracos", el próximo miércoles 9 de abril, a las 20 horas.
Treintena de obras en técnicas mixtas sobre tela y papel , y 6 grabados, de la artista Helga Dietrich. Con Títulos como Pajarraco Romántico, Desacuerdo, Los pensamientos son libres, Al límite, su temática es siempre una reflexión ,desde la ironía,al comportamiento humano. Con buena dosis de humor, gusta de provocar la duda sobre actitudes personales ante la vida contemporánea. Conceptualmente se mueve entre lo poético y lo satírico.
Pintura figurativa de cromatismo expresionista y trazo muy suelto. En esta colección predominan los grises y blancos, con brotes muy gestuales de color que avivan las escenas que narra.
Artista de origen alemán pero afincada y formada en Bellas Artes en España, tiene una vasta trayectoria de más de 30 años, con exposiciones en distintas ciudades de Canada, México, Suiza, Luxemburgo, Alemania y España, donde es muy conocida. Su obra está representada en colecciones institucionales y privadas como Fundación Bancaja, Ayuntamiento de Maguncia, Universidad Literaria de Valencia, Colegio de Arquitectos de Madrid, Fondo de Arte Interarte de Valencia, Ayuntamiento de Maguncia y ZKH Bremen de Alemania, Centro Cultural Nicolás Salmerón ...etc.

La muestra podrá visitarse en nuestro horario habitual hasta el próximo 10 de mayo. La artista estará presente en la inauguración del próximo miércoles.

Tel:

91 550 03 18
656 674 664

Pº. Pintor Rosales, 58
28008 - Madrid

Fax:

91 550 03 18

E-mail:

galerianadir@gmail.com

URL:

 

 

Galería de Arte Nela Alberca
2037j

Horario: De lunes a viernes de 10.00 a 14.00 h. y de 17.00 a 20.00 h.
Sábados previa cita.

Presentación Libro de Oro del Grabado


Información

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Tel:

91 401 50 96

C/. Francisco Silvela, 45
28028 - Madrid

Fax:

91 402 73 99

E-mail:

nela@nelaalberca.com

URL:

www.nelaalberca.com

 

Galería de Arte Nim
2248

Horario: De lunes a viernes de 12.00 a 14.30 h. y de 17.00 a 21.00 h.
Sábados de 12.00 a 14.30 h.

Tel:

91 457 96 36

C/. Uruguay, 3 (Metro Colombia)
28016 - Madrid

Fax:

 

E-mail:

nim@nim-art-gallery.com

URL:

www.nim-art-gallery.com

 

Galería de Arte Zúccaro
2072

Abierto de lunes a sábado.
Horario: De 10.30 a 14.00 h. y de 17.30 a 21.30 h.

Tel:

91 431 54 23
91 576 63 42

C/. Hermosilla, 38
28001 - Madrid
Parking Velázquez / Hermosilla

Fax:

91 431 54 23

E-mail:

galeria@galeriazuccaro.com

URL:

www.galeriazuccaro.com

 

Galería Éboli
20
94

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V MUESTRA DE ARTE NAÏF EUROPEO

Del 12 de marzo al 8 de mayo 2008

V MUESTRA DE ARTE NAÏF EUROPEO.
LA PRIMAVERA DEL ARTE NAÏF
“Ils experiment sur leurs toiles la réalité la plus profonde et la plus essentielle“ (Ellos experimentan sobre sus lienzos la realidad más profunda y más esencial ),afirma el crítico de arte francés Jean Cassou. Y esto es lo que sucede en el caso de los artistas naïf que, sin tener una formación previa en pintura crean, de forma autodidacta, sus obras haciendo caso a la llamada interior de su corazón que les lleva a reflejar la realidad más profunda y esencial siguiendo su propio instinto. No hacen caso de perspectivas ni de proporciones desde el punto de vista didáctico; dejan de lado las sombras pero llenan sus cuadros de luz; usan colores brillantes y frescos sin conjugarlos, los contornos están bien definidos. Pintan pacientemente cada detalle del cuadro, de forma minuciosa, con lo que no hay un solo rincón de la imagen sin pintar.

La representación y la realidad son uno solo. Crean de forma despreocupada y espontánea, atendiendo a su propia poética, sin un proyecto previo del resultado que quieren obtener. Carecen de formas y estilos aprehendidos, el deber ser no influye en ellos, no imitan técnicas ni a artistas consolidados.

La Galería Eboli, de la mano de su directora Amalia Fernández de Córdoba, apostó en 2004 por el arte Naïf, celebrando la primera edición de la Muestra de Arte Naïf Europeo, en la que participaron 37 artistas de 8 países europeos. Para esta V edición, son 61 los artistas concurrentes, de 17 nacionalidades además de Turquía como país invitado, con las pintoras Sema Çulam y Hikmet Karabucak, ambas participantes en bienales de arte naïf en Serbia y Rumanía, respectivamente, y en numerosas exposiciones individuales y colectivas en galerías turcas. A la vista está que los objetivos de los comienzos se han cumplido y que este arte espontáneo se consolida en una sociedad llena de clichés difíciles de contradecir.

La novedad de este año es la entrega del Premio al cuadro más votado en la edición anterior, que ha recaído en “Fête des voisins”, de Martha Kolodziej (cuadro más votado extranjero), que evoca a un puzzle en el que cada pieza es una simbiosis perfecta de sus recuerdos de la tradición folclórica polaca y normanda; y en “Inocencia”, de Victoria Ruiz de Cortazar (cuadro más votado español), quien juega con las luces y los colores para plasmar diversos estados de ánimo.

También se entrega el Premio Eboli por toda una trayectoria pictórica a Ana María de Abadal, de España, cuya obra se encuentra en importantes museos de España, Francia, Portugal e Italia; y a Bruno Epple, de Alemania, considerado uno de los mejores artistas en la actualidad por su forma de trabajar tanto la pintura como la cerámica, entre otras disciplinas culturales.

Una exposición realizada en el Salón de los Independientes, retrospectiva de Henri Rousseu en 1911, llevó al arte Naïf a convertirse en género artístico propio, que poco a poco saltó al mercado internacional desde Francia. Este reconocimiento llegó a España en la década de los 70 de la mano de Fernando Zobel y de Vallejo-Nájera y ha dado nombres reconocidos en el ámbito internacional, como Manuel Moral, Bruno Epple, Joop Plasmeijer, Ilona Schmit, Juan Borras II… algunos de ellos participantes en la muestra.

Ahora se reúnen artistas de muy diversos países europeos que comparten un gusto común, ganas de narrar una historia y una misma idea de atraer al espectador con sus pinturas inocentes llenas de significado. Reflejan en sus cuadros sus variadas formas de ver el Naïf, porque cada uno lo ve desde su propia cultura, la de su país, que plasma en el cuadro con sus óleos. Mientras que los artistas españoles representan escenas más costumbristas y coloridas, los artistas nórdicos evocan las actividades propias de la mar. O como en el caso del país invitado, Turquía, donde las escenas son más orientales, con rasgos típicos árabes, la mujer rodeada de niños en la casa, vestimentas ricas en dibujos estucados.

Son escenas costumbristas y folclóricas llenas de alegría, paisajes nevados de Finlandia, campos ricos en frutos de Italia, pueblos españoles, ferias, fiestas, animales… Lo mismo pintan un día de trabajo que un día de domingo, a través de las cuatro estaciones. Es la jornada de mercado, una tarde de merienda típica inglesa en el campo, las flores de Holanda, animales.

Son escenas que bien nos podrían recordar a nuestra niñez y permiten que el tiempo no pase, como en una fotografía, donde la imagen queda grabada tal como es superando el paso del tiempo.

En definitiva, un arte primitivo e ingenuo pero a la vez refinado y exquisito.

Natividad López Ferreiro
Critico de arte de El Punto de las Artes

Tel: