Alcion
Art Gallery
2399 |
Horario: De lunes a viernes de 10.30 a 14.00 h. y de 17.00 a 20.30
h.
Sábados mañanas |
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Horario:
De lunes a viernes
de 10.30 a 14.00 h.
y de 17.00 a 20.30 h.
Sábados mañanas |
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Paisajes Franceses
Siglos XIX y XX
Del 5 al 31 de mayo de 2008 |
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Paisajes Franceses.
Siglos XIX y XX.
La campiña y los bosques franceses, por su diversidad, tienen una gran riqueza de matices
y recursos paisajísticos que van desde las brumosas tierras norteñas de Bretaña y
Normandía a las más luminosas y mediterráneas del Languedoc o la Provenza.La exposición que presenta la galería Alción está dedicada
precisamente a esos paisajes geniales que los artistas franceses y europeos lograron
plasmar con sus pinceles a lo largo del siglo XIX y principios del XX. Son obras que la
historia del arte ha sancionado por su maestría y que se encuentran en los mejores museos
y colecciones del mundo; y ahora se exhiben en una muestra de réplicas actuales,
certificadas y autorizadas pintadas a mano y en óleo sobre lienzo por expertos copistas
de contrastada calidad.
Los grandes maestros clásicos del siglo XVII como Poussin
o Lorrain pintaban sus paisajes en el estudio. Los paisajes pintados directamente
“del natural” (sur le motiv) se empiezan a plasmar con artistas de principios
del siglo XIX como Corot que se convierte en pionero de la conquista de la luz y de los
espacios naturales creando obras de un lirismo incomparable. Sus paisajes ansían captar
la verdad natural y abre el camino para la pintura en plein air. En el bosque de
Fontainebleau encuentra Corot una eficaz fuente de inspiración, y siguiendo su ejemplo,
numerosos pintores franceses se trasladan a Barbizon. Este camino de pintura al aire libre
iniciado por Corot y continuado por los artistas de la Escuela de Fontainebleau explotará
con los impresionistas; artistas como Edouard Manet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley,
Camille Pissarro o Paul Cézanne que crearán obras llenas de luz y vitalidad.
En la exposición podremos admirar cerca de veinte paisajes
que van desde las bucólicas e idílicas vistas campesinas de Corot, hasta los paisajes de
la Provenza de Cézanne, pasando por los tonos verdes de Pissarro o grisáceos-azulados de
Boudin entre otros. |
| Tel: |
91 319 30 37 |
Calle
Orellana, 14
(Esquina con Argensola)
28004 - Madrid |
| Fax: |
|
| E-mail: |
info@alcionart.com |
URL: |
www.alcionart.com |
Anagma
Tokio
2265 |
| Tel: |
91 400 99 00 |
C/.
Pez Volador, 1 - 11
28007 - Madrid |
| Fax: |
91 573 08 09 |
| E-mail: |
|
URL: |
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Arte
Infantas
2100 |
Horario: De
martes a viernes de 17.30 a 21.00 h. |
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Eugenio López
Berrón
Del 29 de abril al
30 de mayo de 2008 |
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| Tel: |
91 521 61 02 |
C/.
Infantas, 19
28004 - Madrid |
| Fax: |
|
| E-mail: |
arteinfantas@arteinfantas.com |
URL: |
www.arteinfantas.com |
Ateneo
de Madrid
2083 |
Horario de
visita: De 17.00 a 21.00 h.
(Excepto Sábados y Festivos) |
| Tel: |
91 429 17 50 |
Ateneo
de Madrid
Sala Santa Catalina
C/. Santa Catalina, 10 - Madrid |
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91429 79 01 |
| E-mail: |
prensa@ateneodemadrid.es |
URL: |
www.ateneodemadrid.com |
BENVENISTE
Contemporary
2382 |
Horario: De lunes a viernes de 10.00 a 14.00 h. y de 17.00 a 20.30
h.
Sábados previa cita |
Call of the Wild
A K Dolven, Carsten Höller, Olav Christopher Jenssen,
Bjarne Melgaard, Cardiff & Miller, João Penalva
Del 27 de marzo al 31 de mayo de
2008
En colaboración con Niels Borch Jensen galerie, Berlín
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Call of the Wild: A
K Dolven, Carsten Höller, Olav Christopher Jenssen, Bjarne Melgaard, Cardiff &
Miller, João Penalva.
La exposición que puede verse en la galería BENVENISTE Contemporary de Madrid hasta el
próximo 31 de mayo reúne bajo el título Call of the Wild ( La llamada de lo salvaje )
un conjunto de artistas internacionales con una consolidada carrera artística.Retomando como hilo conductor el título de la novela del escritor
americano Jack London The Call of the Wild, se muestra una selección de obra gráfica de
los artistas Casten Höller, AK. Dolven, Janet Cardiff & George Bures Miller, João
Penalva, Bjarne Melgaard y Olav Christopher Jenssen. El instinto animal de aquel perro que
protagonizara el libro de London, podría perseguir su reflejo ante las imágenes que
componen esta exposición.
La pulsión de lo salvaje se respira en la obra de AK
Dolven Headlights que muestra la imagen de una pareja que parece huir al ser sorprendida
por el potente haz de luz que, podemos suponer, procede de los focos de un automóvil.
Dolven ha elegido la técnica del photo gravure que le ha permitido trabajar la intensidad
del negro profundo hacia la que camina la pareja.
No menos inquietante es la obra de Bjarne Melgaard Life is
a lonely Buffalo en la que lo salvaje aparece filtrado bajo la presencia de lo sexual. Un
mosaico de imágenes realizadas con la técnica de grabado calcográfico, la punta seca,
nos muestran la figura desdibujada de un hombre desnudo y expuesto a la mirada del
espectador.
Cuando lo salvaje abandona la violencia, deja entrever lo
misterioso, la incógnita de lo que está por suceder. The Study for the Murder of Crows
de Janet Cardiff & George Bures Miller muestra el momento que precede al crimen. El
cielo rojo ardiente, que vemos en el paisaje nos da una pista de la brutal acción. La
naturaleza en estado salvaje inquieta a un espectador que conecta con su mirada la gama
cromática de esta obra con la serie de Carsten Höller Mushroom, compuesta por doce
piezas trabajadas a partir del efecto estereoscópico. La serie de setas venenosas, que ha
realizado la artista con la técnica del photo gravure, es la muestra de que lo natural
tiene la capacidad de convertirnos en seres irracionales.
Esta naturaleza engañosa de las cosas es también
protagonista en la obra London Planes del artista portugués João Penalva, quien juega a
confundir y desorientar nuestro razonamiento, como posiblemente lo haga también Olav C.
Jenssen cuando nos muestra en la serie que se expone en esta exposición, fragmentos de
seres humanos, pero también otros deformados que se alternan con patrones y formas que
bien podrían desembocar en lo natural.
Lo salvaje se convierte en Call of the Wild en una suma de
sentencias escritas desde lo humano y presencias mostradas desde lo natural.
La exposición ha sido editada en colaboración con Niels
Borch Jensen galerie de Berlín, y las obras han sido editados por Niels Borch Jensen en
su taller de Copenhague. |
| Tel: |
91 369 29 88 |
Fernanflor
6, Bajo C
28014 - Madrid |
| Fax: |
91 369 51 08 |
| E-mail: |
bcpp@benveniste.com |
URL: |
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camara
oscura
Galería de Arte
2361 |
MISS ANIELA
"Self-gazing"
Del 17 abril al 31 mayo 2008
Inauguración: Día 17 de abril a las 20.00 h.
En la inauguración contaremos con la presencia de la artista Miss Aniela.
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MISS ANIELA:
"Self-gazing".
El próximo jueves 17 de abril se inaugura la primera exposición individual en España de
la fotógrafa británica Miss Aniela (Leeds, 1986) en la galería camara oscura.Miss Aniela es una jovencísima artista que se ha hecho famosa de la
noche a la mañana gracias a sus autorretratos difundidos a través de Internet. Su estilo
feminista y provocativo genera controversias sin dejar de ser original.
Los primeros trabajos de Miss Aniela presentaban un país
de las maravillas alrededor de la idea del “yo múltiple”. Sus trabajos más
recientes desarrollan el autoretrato introspectivo donde la luz en todas sus facetas baña
la figura femenina desnuda o semi-desnuda. Una carga de erotismo casi místico se
despliega a través de los ambientes, las narraciones secretas y el voyeurismo. Asimismo
las fotos de Miss Aniela hacen abiertas alusiones a la pintura, con una meticulosa y
“fantástica” post-producción digital que subraya el cuerpo femenino sin dejar
de lado la inmediatez de la fotografía como medio.
La obra de Miss Aniela ha abierto un interesante debate
sobre el desnudo femenino y su lugar en la historia del arte. El canon tradicional nos ha
llevado a los espectadores a contemplar el cuerpo de la mujer pero se ha vetado que la
propia mujer se contemplara a sí misma o controlara su propia imagen. Miss Aniela
subvierte esta convención presentando a la mujer de forma reflexiva, cuyo cuerpo no es
algo exclusivo para la mirada masculina. Ella tiene el poder de exhibirse y controlar
cómo es percibida. Así Miss Aniela utiliza la tecnología digital para enfrentarse a
nuestros prejuicios sobre el rol de la musa y los mecanismos del deseo.
Las referencias al trabajo de Cindy Sherman son evidentes.
El enfoque de Sherman sobre los clichés de la mujer en el cine y los medios ha allanado
el camino al cuestionamiento de la belleza femenina en la forma que Miss Aniela lo hace
hoy. |
| Tel: |
91 429 17 34 |
C/.
Alameda, 16
28014 - Madrid |
| Fax: |
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| E-mail: |
info@camaraoscura.net |
URL: |
www.camaraoscura.net |
Catarsis
Arte Contemporáneo
2128 |
Horario: De
10.30 a 14.00 h. y de 17.00 a 20.30 h.
(Cerrado lunes mañana, sábados tarde, domingos y festivos) |
CARLOS URBINA
LAS ESCULTURAS VIVAS DE CARLOS URBINA
Del 7 al 29 de mayo de 2008
Inauguración: Día 7 de mayo a las 20.00 h.
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CARLOS URBINA.
LAS ESCULTURAS VIVAS DE CARLOS URBINA.
Carlos Urbina, invitado durante el mes de mayo en Catarsis.
La inauguración tendrá lugar el miércoles 7 de mayo a las 20 horas, con presencia del
artista, y la exposición nos acompañará hasta el 29 del mismo mes.El arte nos ha demostrado, y lo sigue haciendo, que hay muchas
técnicas, procedimientos y materiales que pueden emplearse para concebir un objeto
artístico. Todo depende de lo que desee expresar, sepa, quiera trabajar y tenga a mano el
artista. Muchas veces son materiales industriales: lienzos y acrílicos para pintar o
vidrio y acero con los que hacer alguna escultura, por ejemplo.
Hay artistas que, lejos de menospreciar estos elementos ya
fabricados, retornan un tanto a nuestros orígenes y buscan en la naturaleza misma
materiales con los que trabajar, como hacían los hombres en esa etapa prehistórica donde
no existían los convencionalismos.
Carlos Urbina ha escogido en esta ocasión la piedra como
base de sus esculturas. Cual zahorí, Urbina va en busca del agua dulce de los ríos para
encontrar las piedras que luego conformarán sus trabajos. Las pule y las limpia con
esmero, las decora con surcos y dibujos y las mima como un padre orgulloso.
Con ellas Urbina conforma esculturas de pequeño formato que, en sus propias palabras, son
“para ver con los ojos de las yemas de las manos”.
Sus piedras además parecen estar dotadas de vida propia.
Nos hablan y nosotros podemos escucharlas, sorprendidos, boquiabiertos, de que unas
piedras, en principio inertes, se dirijan a nosotros. Y es que las piedras de Urbina son
especiales. Si no, no hubiesen sido escogidas entre millones de iguales para ser
transformadas en escultura y ser expuestas en Catarsis. Carlos Urbina traerá a Catarsis
una instalación sonora que servirá para que las piedras traduzcan sus sentimientos en
palabras.
Carlos Urbina, que ha trabajado durante muchos años las
técnicas tradicionales de pintura y escultura, lleva desde 1987 incorporando a sus obras
nuevas tecnologías y experimentando en el campo del arte digital. |
| Tel: |
91 369 35 80 |
C/.
Santa María, 15
28014 - Madrid |
| Fax: |
91 541 91 62 |
| E-mail: |
catarsis@galeriacatarsis.com |
URL: |
www.galeriacatarsis.com |
CUATRO
DIECISIETE
GALERIA
2244 |
Horario: Lunes
a viernes de 11.00 a 14.00 h. y de 16.30 a 20.30 h.
Sábados de 11.00 a 14.00 h. |
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Belén Gonzalo
"Silencio"
Obra sobre lienzo y papel
Del 17 de abril al 17 de mayo de
2008
Inauguración: Día 17 de abril a las 20.00 h. |
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| Tel: |
91 435 85 46 |
C/.
Principe de Vegara, 17
28001 - Madrid |
| Fax: |
91 435 84 66 |
| E-mail: |
galeria@cuatrodiecisiete.com |
URL: |
www.cuatrodiecisiete.com |
Fundación
de Arte y Gastronomía
2270 |
| Horario: De lunes a jueves de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00 h. |
La Fundación Arte y Gastronomía
es una iniciativa que pretende unificar el arte y la gastronomía como facetas culturales
que tienen un gran número de coincidencias y que interesan al mismo perfil de personas.
La gastronomía es un arte, nadie lo pone en duda, pero tiene una consideración de arte
menor. Asociar arte y gastronomía puede suponer cambiar la apreciación para convertirse
en arte mayor.
Por otro lado, la gastronomía suscita un interés más generalizado que el arte y,
apoyándose en actos y eventos de naturaleza gastronómica, podemos conseguir acercar al
mundo del arte a un mayor número de personas. |
| Tel: |
91 431 08 96 |
C/.
Velázquez, 4 - 1º Izquierdo
28001 - Madrid |
| Fax: |
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| E-mail: |
Contactar |
URL: |
www.fundacionartegastronomia.com |
Galería
A.I.M.A
2197 |
Horario: De
lunes a viernes de 17.00 a 21.00 h. |
Desde el día 9 de
mayo de 2008:
ÓSCAR HERNÁNDEZ SORIANO (1944-2007)
Inauguración: Día 9 de mayo a las 18.30 h.
Organizada por sus familiares, amigos y compañeros.
Óscar Hernández Soriano fue un excelente artista, con una intensa actividad creativa
durante toda su vida. Licenciado en Bellas Artes en la Academia de San Fernando de Madrid,
alumno de Antonio López, de 1975 a 1980 cursa Bellas Artes en Estocolmo, Premio Nacional
de Suecia, expuso su obra por diversas ciudades de todo el mundo (París, Estocolmo, El
Salvador, Barcelona, Madrid, etc.). Realizó su última exposición en la Galería AIMA,
en Julio del año 2007. |
| Tel: |
91 401 82 23 |
C/.
Padilla, 76
(Entrada por C/. Alcántara)
28006 - Madrid |
| Fax: |
|
| E-mail: |
asociacion_aima@yahoo.es |
URL: |
www.asociacionaima.com |
Galería
Antonio Machón
2310 |
Horario: Martes
a sábado de 11.00 a 14.00 h. y de 17.00 a 21.00 h. |
MARCELO FUENTES
"La memoria de la ciudad"
Desde el día 24 de abril de 2008
Inauguración: Día 24 de abril
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MARCELO FUENTES:
"La memoria de la ciudad".
Uno suele repetir las mismas costumbres una y otra vez: levantarse y contemplar el mar
aún no encrespado, sereno, casi helénico, de la mañana; leer algún poema; desayunar; y
luego escuchar la música de Johann Sebastian Bach – las suites para violonchelo,
quizá, el Clave bien temperado -, como si se tratara de una oración ritual, de un primer
destello de alegría. Me gusta volver a estos ritos cotidianos, a las repeticiones, a la
espera atenta – la attente, que escribiera Simone Weil – de no se sabe muy bien
qué. La espera nos enseña a mirar, al igual que lo hace la escucha. Paul Claudel, el
poeta francés, lo dijo en un título maravilloso y sorprendente: L’oeil écoute, el
ojo escucha. Yo supongo que la pintura también lo hace, que el silencio, por así
decirlo, tiene su luz, su color, su sombra nunca antes desvelada, al igual que lo tiene la
música – Les ombres errantes de Couperin, por ejemplo – o la literatura. En una
ocasión, Marcelo Fuentes me dijo que sólo los pájaros y la brisa dan cuenta del
espacio, quizá como si quisiera explicar que son el espacio y el tiempo los que otorgan
nitidez al arte y no lo enmascaran, no lo vacían disfrazando de lenguaje aquello que debe
restar mudo. Marcelo se refería, claro está, a la intimidad del espacio, un espacio que
nos llama y nos somete, que nos interpela con su misterio y nos desprende de la soledad.
La inspiración – si tenemos que creer en ella – es siempre alteridad, un eco de
algo que nos precede y que encuentra su encarnación en el arte. Ésta es una paradoja
extraordinaria, ya que nadie es foco de su propia verdad. El silencio tiene su luz. Y me
parece correcto contemplar la pintura de Marcelo Fuentes como un icono de este silencio,
como un retablo de esta verdad inexpresada.No
recuerdo en qué momento, ni cuándo, oí hablar por primera vez de la obra de Marcelo
Fuentes. Supongo que fue – como tantos otros descubrimientos – leyendo algún
texto de Juan Manuel Bonet, quizá su libro-entrevista con el fotógrafo Bernard Plossu.
No lo sé. Sí recuerdo, en cambio, los primeros cuadros suyos que vi: unas acuarelas y
óleos neoyorquinos, unos paisajes marroquíes – Tánger, quizá - y una serie de
aguafuertes romanos; una Roma – esa ciudad carnal como pocas - bellísima, racional,
metafísica, que me era desconocida. En uno de esos grabados – Ostia, al fondo -
surgía, apartada, una como luz blanca, casi escondida, que me hizo pensar en una fuga de
Bach, en un contrapunto inquietante y misterioso visto desde la lejanía, sobre el que se
asienta algo muy hondo. Pensé también en el Ángel de la historia de Paul Klee, tal y
como nos lo ilumina el filósofo alemán Walter Benjamin: un ángel aletea creando el
tiempo y, a su vez, la ruina. Los espacios callados, silenciosos, perturbadores, llenos de
misterio, de esos cuadros: las marquesinas años cincuenta de Madrid, los bloques de
apartamentos de Nueva York o la arquitectura industrial de Queens; la modernidad ya
gastada, aviejada, de Valencia; los faros junto al mar – recuerdo uno ahora en el
puerto de Nápoles – o los pinos, las encinas, los hayedos, apenas apuntados,
ensimismados, de Teruel, de Mallorca, de Almería o de Galicia; esos espacios, digo,
pintados, desvelados por Marcelo Fuentes, son una interrogación continua, una pregunta -
¿cómo decirlo? – que se dirige al tiempo, a las astillas del tiempo, a sus grietas,
en una quest de la luz benjaminiana que se pierde entre las teselas de la historia y que
luego se recoge como belleza trascendida que va yéndose de nuevo al silencio. De ahí que
la pintura de Marcelo Fuentes no sea una pintura gastada ni usada, no sea el remedo de una
técnica o de un estilo ni el tour de force del artista ensoberbecido, del aprendiz de
demiurgo que pretende crear un mundo con su mirada sin llegar a encontrar nada más que el
eco de su propia soledad. No es la soledad la que explica la densidad de estos cuadros
sino el silencio que aúna la fragilidad de la historia, las huellas vivas de su ruina y
esa nostalgia, diríase, de redención, de una verdad plena, absoluta, definitiva, donde
nada se pierda.
Pintor de ecos y de voces, la pintura de Marcelo Fuentes es
sólo metafóricamente metafísica. Joseph Joubert dijo algo muy hermoso en una ocasión:
“Es preciso – escribió - que haya varias voces juntas en una voz para que sea
verdadera.” En efecto, en estos cuadros uno no encuentra diálogos ni referencias
platónicas, no hay idealizaciones ni esencialismos, sino algo muy distinto, muy
joubertiano en este caso: la escucha de los ecos y de las voces del tiempo; como si al
pintar, qué sé yo, un chaflán, un depósito de agua, el muelle de una ciudad o una
torre, Marcelo Fuentes quisiera salvar toda esa memoria inaudible convirtiéndola en luz,
en color y en sombra. La paradoja es, de nuevo, fascinante y ya se encuentra – nos lo
recuerda Chrétien - en el libro del Éxodo: todo el pueblo veía voces, se lee en la
Vulgata. Como si se tratara de una obediencia del alma – o de la carne -, el pintor
no puede hacer mucho más que reflejar el color de esas voces, su fisicidad incluso. De
ahí surge otra paradoja en la obra de nuestro autor, a saber: la ausencia de figuras
humanas – hasta donde yo sé, absoluta – en una pintura llena de ecos y de
susurros, llena de reflejos de la vida.
A veces, cuando me levanto por las mañanas, me pongo a
contemplar el horizonte desde la terraza de mi casa. Veo el mar apuntando hacia Menorca y
unas cuantas azoteas que perfilan el azul de ese mismo mar. Si dirijo mi mirada hacia la
derecha, como unos fantasmas amigos que me pidieran permiso para tomar el té, creo
vislumbrar un cuadro de Marcelo Fuentes: es un viejo hotel de los años 60, reconvertido
ahora en bloque de apartamentos para extranjeros más o menos adinerados. En invierno,
sólo alguna viejecita da de comer a los gatos que pueblan el jardín. Uno diría que esos
gatos echan a faltar el afecto de las personas y se pasean tristes, somnolientos, por el
lugar. Entonces pienso en Marcelo Fuentes y en sus arquitecturas. Pienso en la soledad y
en el silencio, pienso en la melancolía. Y me digo: yo ya he estado aquí, en estas
calles, en estos edificios tan aparentemente vacíos. Y los miro como retablos, sí, como
cuadros de Marcelo Fuentes perdidos en cualquier lado: en una ciudad, en el apeadero de un
tren, en una urbanización avejentada junto a la playa, en un bulevar.
Y de este modo, Marcelo Fuentes nos enseña a contemplar el
rostro de la ciudad. Y uno deambula por sus calles, asombrado por tanta belleza antes
oculta. Y se lo agradece – aunque sea en la intimidad callada del instante
–porque al reflejar esta belleza en sus cuadros la inserta en la memoria de las
ciudades, que es también la memoria del mundo y de los hombres. |
| Tel: |
91 532 40 93 |
C/.
Conde de Xiquena, 8
28004 - Madrid |
| Fax: |
91 531 21 40 |
| E-mail: |
galeria@antoniomachon.com |
URL: |
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Galería
Arnés y Röpke
2021 |
La Galería Arnes
y Röpke es filial de Stefan Röpke de Colonia. La galería nace en 1992 con el propósito
de organizar exposiciones de artistas de interés internacional, como Robert Mapplethorpe,
Julio González o Georg Baselitz, bajo mas líneas de actuación que se mueven en la
interrelación entre arte abstracto y figurativo como es el caso de Miguel Barceló,
Aportolos Palavrakis o Max Neimann. En 1998 se inaugura la galería Arnés y Röpke en
Madrid. |
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Michael Morgner
Del 4 de abril al
27 de mayo de 2008
Inauguración:
Día 4 de abril a las 20.00 h. |
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Michael Morgner.
El artista estará presente en la inauguración.
Michael Morgner, nacido en Chemnitz en 1942 y uno de los fundadores del legendario grupo
de artistas "Clara Mosch", crítico con el sistema, fue presentado al público
internacional en numerosas exposiciones organizadas en museos. La fuerza tanto gráfica
como simbólica de su obra le dio a conocer muy pronto más allá de las fronteras de la
República Democrática Alemana. El tema de sus cuadros es, una y otra vez, el conflicto
entre arte, individuo y sociedad. Nos hablan de la lucha del individuo por alcanzar la
libertad contra obstáculos aparentemente insalvables y nos ponen a la vista el
sufrimiento del individuo ante el fracaso, pero también nos muestran al ser humano en el
momento de la victoria, cuando deja tras de sí sus cadenas.Su obra, de gran expresividad, está caracterizada sin embargo por la búsqueda
de la sencillez y por una progresiva reducción del lenguaje figurativo y sígnico.
Morgner obtiene energías simbólicas y compositivas de formas tan puras como la cruz, la
barra y el triángulo. La simbología cristiana es su alfabeto, su repertorio artístico
de signos, con el que vehicula gráficamente los mensajes existenciales de la angustia, la
muerte y la esperanza. A ello se añade una cercanía a la muerte experimentada
personalmente y manifestada en varios grupos de obras. Sus ciclos de cuadros giran en
torno a las figuras simbólicas de la "angustia" y del "fracasado" y a
las variaciones del "Ecce Homo". El "Gran Fracasado", que entra en su
obra a partir de 1980, se puede ser considerar como un alter ego del pintor, que opone a
la pasividad la energía psíquica. En los ciclos "Réquiem alemán” y
“Réquiem judío” el artista se enfrenta a la persecución y la aniquilación de
las personas de distinta ideología o credo durante las dictaduras alemanas.
Morgner prefiere trabajar sobre papel. Con frecuencia pone
varios pliegos, unos junto a otros, sobre lienzos relativamente grandes. Las operaciones
artesanales más importantes son estampaciones, lavados y splittings. Desde los años 90
ataca la superficie de la obra cada vez con más energía. A lo largo de varias fases de
trabajo destruye la “piel” del cuadro, desgarrando jirones de papel. El
procedimiento técnico empleado recuerda a la evolución que siguen las heridas y las
cicatrices. Además de tinta china Morgner utiliza pinturas asfálticas, y como
disolventes agua y terpentina. A menudo cubre hojas con metáforas figurativas
desarrolladas de forma serial.
En 1995 surgen los primeros bocetos escultóricos, que
tienen la “angustia” por tema. En 1996 el artista trabaja en su primera
escultura de acero de gran formato: "Hombre reliquia". El acero es para Morgner
el material que más se adecua a su voluntad expresiva: la dureza “tecnoide”
guarda correspondencia con la monocromía elemental. Los cambios “naturales”
causados por los distintos agentes atmosféricos son metáforas, inmanentes al propio
material, del carácter relativo y pasajero de todas las cosas. |
| Tel: |
91 702 14 92 |
C/.
Conde de Xiquena, 14
28004 - Madrid |
| Fax: |
91 702 16 39 |
| E-mail: |
arnesyropke@hotmail.com |
URL: |
www.galeriaarnesyropke.com |
Galería
Arte 10
2051 |
Horario: De martes a sábados de 10.00 a 14.00 h. y
de 17.00 a 21.00 h.
Festivos y lunes cerrado |
"Entre Hierro y Papel",
sobretítulo con el que Arte 10 articula el estandarte de sus muestras, continúa en el
propósito - lo viene haciendo ya desde 1998 - de seguir mostrando en su espacio su
Colección de Obra Gráfica mediante la articulación de su contenido en propuestas
sucesivas, en recorridos gráficos mensuales por las tendencias creativas del S.XX, por
los grupos artísticos más destacados o por las individualidades más sonadas.
La Colección constituye hoy ya un conjunto superior a las 1700 estampas de este siglo que
Arte 10, a lo largo de la década de los 90 ha ido editando y adquiriendo.
El apoyo temporal de títulos con los que se suplementan algunas de las muestras de
"Entre Hierro y Papel" persiguen un doble objetivo: Por un lado el de cohesionar
la muestra en sí ampliándola y complementándola, y por el de nutrirla.
Entre sus propias propuestas, Arte 10 intercala otras que nada tienen que ver con su
Colección. Se trata de talentos o conjuntos más o menos conocidos, de intercambios o
colaboraciones que pretenden cubrir aquellas lagunas de la propia Colección. |
| Tel: |
91 530 21 33 |
C/.
Sánchez Bustillo, 7
(Frente a la entrada principal del Museo Reina Sofía)
28012 - Madrid |
| Fax: |
91 530 59 15 |
| E-mail: |
fdiez@arte10galeria.com |
URL: |
www.arte10galeria.com |
Galería
Barbarin
2375 |
Horario: De lunes a viernes de 16.00 a 21.00 h.
Sábados de 11.00 a 14.00 h. |
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JAVIER PULIDO
"ALASOORA"
Del 8 de mayo al
13 de junio de 2008
Inauguración:
Día 8 de mayo a las 20.00 h. |
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JAVIER PULIDO:
"ALASOORA".
Javier Pulido (Madrid, 1967) realiza en Galería Barbarin una nueva exposición
individual, tras Retablos (2003) y Lumpen (2005), celebradas en la recientemente
desaparecida Galería Amparo Gámir. Con el eufónico y exótico nombre de Alasoora Pulido
presenta un conjunto de obras recientes, creadas entre 2007 y 2008, entre ellas sus
habituales gouaches recortados y serigrafías, que son su primera incursión en el terreno
de la gráfica.Hay una figura-signo que de manera
recurrente aparece en las distintas series pictóricas que Javier Pulido (Madrid, 1967) ha
desarrollado a lo largo de su carrera. Es un ser antropomórfico asexuado, dotado de un
rostro sin rasgos, que según esté recortado nos sugiere distintos tipos de personas que
el artista ubica en variados escenarios; uno, recurrente son los jardines, en los que
estos personajes transitan o habitan, donde prolifera con profusión tropical y asfixiante
una flora extraña, un engendro a medio camino entre lo animal y lo vegetal. Plantas
trepadoras cuyo fruto en sazón es un ojo inquisidor, calaveras desdentadas o corazones,
“rizomáticos circuitos sanguíneos” en palabras de Francisco Carpio.
Pulido construye sus obras por medio de claves espaciales
mínimas y precisas, según los principios de la perspectiva ilusionística clásica, que
en su ambigüedad escenográfica pueden ser leídos como claustrofóbicos interiores
arquitectónicos de bloques pétreos que aplastan y engullen al elemento vivo y
simultáneamente considerarse paisajes de una geografía extraña, donde el orden de la
naturaleza ha sido subvertido y lo mineral, lo vegetal y lo animal son categorías
intercambiables. Parte de los trabajos que se presentan en esta exposición se titulan con
el eufónico y exótico nombre de ciudades de Madagascar, Antananarivo o Antsirabe. La
isla-continente, que se desgajo hace millones de años de África y de la India a la vez,
es un ente geográfico particular, desubicado, varado en medio del océano Indico y que
como todo buen consumidor de documentales de naturaleza sabe posee una fauna y una flora
singulares que se desarrollaron según leyes evolutivas propias, ajenas a las del vecino
continente africano gracias a su aislamiento oceánico. Aunque esta isla más que ser un
eje central de la exposición, si nos referimos a su representación física en las obras,
está presente fundamentalmente en una sonoridad exótica, evocadora de un nuevo campo de
asociaciones de ideas. En este sentido si buscamos asociaciones literarias podríamos
pensar en el congo colonial que describió Conrad en En el corazón de las tinieblas, un
espacio extremo donde la selva primigenia e ignota predisponía con fatalismo ambiental a
que los hombre se despojaran de su leve capa de civilidad para entregarse con frenesí a
la barbarie.
A lo largo de 2007 Pulido ha trabajado en otra serie de
obras que ha denominado Jardín. Jardín y paraíso son conceptos complementarios.
Paraíso es una palabra que tiene su origen en una antigua lengua persa y hace alusión a
un espacio cercado, recreado con plantas y animales cuidadosamente dispuestos para el
deleite sensorial de su poseedor. Michel Onfray en su alegato contra las religiones del
Libro prefiere referirse al paraíso prometido a los creyentes tras la muerte como
geografía histérica y antimundo deseable. Esa condición de geografía histérica puede
atribuirse sin duda al universo visual del pintor, un espacio donde los elementos más que
estar ordenados se apelotonan y se superponen en un caos compositivo, ajeno a cualquier
clase de jerarquía narrativa, en el que ha sido abolido el principio de escala, donde,
como ocurre en la obra de los primitivos flamencos todas las historias ocurren a la vez y
en el mismo lugar, de manera que el espectador esta obligado a recorrer minuciosamente la
superficie descifrando cada una de las microescenas que le asaltan exigiendo su atención.
El estudio de la naturaleza nos ha enseñado que ciertos
animales y plantas desarrollan mecanismos de camuflaje que les hacen parecer, frente a sus
potenciales depredadores, más poderosos y temibles de lo que son en realidad. Javier
Pulido actúa en sentido inverso. Atrapa con la apariencia amable de sus pinturas, a base
de tintas planas de colores básicos y una estética de diseño gráfico, para revelar,
como una trampa visual para desprevenidos, un fondo donde están letalmente dosificados lo
cruel y lo paródico, el rito caníbal y su simulacro carnavalesco, las referencias a la
alta cultura y el recurso a elementos que remiten a la cultura pop.
Félix Fuentes, abril 2008 |
| Tel: |
91 384 61 28 |
Av
de Manoteras 10, A007
28050 - Madrid |
| Fax: |
|
| E-mail: |
info@galeriabarbarin.com |
URL: |
www.galeriabarbarin.com |
Galería
Daniel Cardani
2013 |
Especialidad:
Pintura Española de los Siglos XIX y XX de artistas consagrados.
Escultura Española Moderna de artistas consagrados.
Arte Internacional.
Horario:
Lunes a viernes: De 11.00 a 14.00 h. y de 17.00 a 20.30 h.
Sábado: De 11.00 a 14.00 h. (Agosto
cerrado).
Propietario: Daniel Cardani.
Fundación: 1985
Fondo: Pintura Española de los siglos XIX y XX (Permanente). |
| Tel: |
91 458 82 79
60 781 44 40 |
C/.
Profesor Waksman, 12
28036 - Madrid (Zona Bernabéu) |
| Fax: |
91 458 89 74 |
| E-mail: |
info@galeriadanielcardani.com |
URL: |
www.galeriadanielcardani.com |
Galería
de Arte Alfonso XIII
Artetrece
2297 |
Horario: Lunes
a viernes de 11.00 a 14.00 h. y de 17.00 a 20.30 h.
Sábados de 11.00 a 14.00 h. |
Pintura española del siglo XX y Vanguardias Clásicas.
Obra gráfica Original: Grabados, litografías y serigrafías.
Escultura española. |
| Tel: |
91 391 56 74 |
C/.
Belén, 13
28034 - Madrid |
| Fax: |
91 391 56 74 |
| E-mail: |
info@galeriaalfonsoxiii.com |
URL: |
www.galeriaalfonsoxiii.com |
Galería
de Arte Alfoz
2250 |
Horario: De lunes a viernes: De 17.00 a 20.30 h.
Sabados: De 10.00 a 13.30 h. y de 17.00 a 20.30 h. |
| Tel: |
607 719 285
609 132 074
917 726 792 |
C/.
Papagayo, 14
28025 - Madrid |
| Fax: |
|
| E-mail: |
info@alfoz.net |
URL: |
www.alfoz.net |
Galería
de Arte Castelló 120
2333 |
Horario: De lunes a sábado: De 11.00 a 14.00 h. y de 17.00 a 21.00
h.
Lunes mañana cerrada |
| Tel: |
91 564 48 06 |
C/.
Castelló, 120
28006 - Madrid |
| Fax: |
91 564 47 26 |
| E-mail: |
info@castello120.com |
URL: |
www.castello120.com |
Galería
de Arte del Louvre-Ispahan II
2267 |
| Paisajes, pintores franceses siglos XIX y XX |
| Tel: |
91 576 96 82 |
C/.
Serrano, 5 - 3ª Planta
28001 - Madrid |
| Fax: |
|
| E-mail: |
galerialouvre@hotmail.com |
URL: |
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Galería
de Arte Dionís Bennassar
2238 |
Horario: De
martes a sábado de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00 h. |
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FERNANDO SILVA
"Ensambles,collages y papiros"
Del 3 de abril al
3 de mayo de 2008
Inauguración:
Día 3 de abril a las 20.00 h. |
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FERNANDO SILVA:
"Ensambles,collages y papiros".
Fernando Silva (Toledo 1955) desarrolla su trayectoria artística en su Toledo natal y es
el integrante más joven del “Grupo Tolmo”. Un comprometido colectivo de
artistas que desde 1971 asumió el vértigo de insertarse en la vanguardia española de la
posguerra para ofrecer a los toledanos la posibilidad de contemplar el arte de vanguardia,
promocionar a los artistas jóvenes de la ciudad y fomentar el coleccionismo de obras de
arte.Fernando Silva cree que a través de la imagen
“podemos recibir otras sensaciones además del color, la forma, la proporción o la
textura”. Considera el arte, y en su caso la pintura, como un medio que le permite
materializar un hecho, una experiencia. “El fin es saber elegir, coger, dejar, tapar,
poner, y en la mayoría de los casos, quitar”.
Influenciado por los expresionistas abstractos americanos,
la transvanguardia italiana y la arquitectura minimalista, actualmente utiliza el collage,
ya que lo considera el medio más versátil para poder expresarse con la libertad que
requieren los temas que aborda. “No lo elegí, más bien fue al contrario, sobre todo
cuando empecé a darme cuenta que era más importante utilizar lo que me encontraba que
buscar en lo que realizaba”.
Audrey Tiffanys define la obra de Fernando Silva como:
“Intenciones llenas de emotividad y capacidad creativa a partir de técnicas
tradicionalmente contemporáneas (collage, estarcido, pigmentos…) pero, con un
tratamiento muy particular, personalizando cada una de las propuestas, utilizando los
recursos más elementales del lenguaje plástico; pero con unas intenciones que van más
allá de lo que en principio puede dar como resultado cuando una obra aparentemente
aparece acabada ante los ojos del contemplador ”.
La galería Dionís Bennassar presentará sus últimas
obras en papel reciclado, manipulado activamente y tratado técnicamente a partir de
materiales a priori ya usados como envases, trapos y papeles sobre diversos soportes.
¡Una obra rica y expresiva plenamente contemporánea! |
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ADELAIDA MURILLO
"Geometrías"
Del 8 de mayo al
31 de mayo de 2008
Inauguración:
Día 8 de mayo a las 20.00 h. |
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ADELAIDA MURILLO:
"Geometrías".
Adelaida Murillo (Palma de Mallorca, 1949), veterana artista mallorquina afincada en
Barcelona presenta en la galería Dionís Bennassar su último y más personal trabajo.El último trabajo de Adelaida surge de la recuperación y
tratamiento de un cuaderno de su infancia. Un cuaderno que su padre dibujó y caligrafió
con mimo para ayudarla en los estudios cuando era una niña. En sus páginas se explican
teoremas matemáticos y se dibujan figuras geométricas diversas. Adelaida lo recupera
ahora, en un momento de gran madurez personal y artística para presentarnos unas obras de
sensible vigor pictórico en las que hay un diálogo continuo entre geometría y pintura.
Nos encontramos, en las palabras de la escritora Teresa
Costa-Grammunt, ante “una pintura de fusión entre las formas desnudas, abstractas,
espiritualizadas de la geometría, y lo corpóreo y sensual del tratamiento plástico
empleado en sus lienzos”. Unas obras que se sostienen, por un lado, por la
continuidad de un estilo consolidado, y por otro, gracias a la gran capacidad de la
artista para armonizar las atmósferas de fondo y los detalles contrastados. Un juego
entre lo real y lo imaginario, acentuado por un cálido cromatismo, claro reflejo de su
mediterráneo natal.
La artista nos presenta en ésta ocasión, un trabajo de
gran capacidad imaginativa y rico cromatismo que evocará en el espectador “el
diálogo entre arte y ciencia, entre técnica y poesía.”
Adelaida Murillo cuenta con una abultada trayectoria
artística donde exposiciones, publicaciones y premios se suceden desde su inicio en 1979
hasta la actualidad, siendo ésta la sexta vez que expone en la galería Dionis Bennassar. |
| Tel: |
91 319 69 72
91 308 46 35 |
C/.
San Lorenzo, 15
28004 - Madrid |
| Fax: |
91 308 46 35 |
| E-mail: |
Correo |
URL: |
www.dionisbennassargaleriadearte.es |
Galería
de Arte KREISLER
2101 |
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FERNANDEZ PINEDO
Del 6 al 29 de mayo
de 2008 |
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FERNANDEZ PINEDO.
Juan Manuel Fernández Pinedo(Madrid,1978),ha desarrollado una interesante y sorprendente
evolución pictórica a lo largo de su carrera que comienza con sus estudios en la Escuela
de Bellas Artes en 1992 y una beca de la Fundación Arauco, continúa con innumerables
premios, algunos de gran prestigio y una importante trayectoria de exposiciones
individuales(Valladolid, Vitoria, León, Madrid, Murcia…) además de su presencia en
varias colecciones públicas y privadas como el museo Adolfo Lozano Sidro y la Fundación
Arauco y culmina ahora con la nueva exposición que albergará la Galería Kreisler
durante el mes de mayo.En la anterior muestra ya
sorprendió su madurez compositiva y su dominio del espacio y la luz, en aquella
colección de óleos en las que el paisaje cotidiano era el tema recurrente.
En esta ocasión Fdez-Pinedo profundiza aún más en aquella investigación y nos convence
por su personalidad creativa llena de matices y sutilezas de gran belleza y subjetividad,
que le lleva a convertir el paisaje no en una representación meramente realista, sino en
un mundo personal , cargado de reminiscencias oníricas y misterioso simbolismo lírico,
todo ello a través una particular y rica paleta de colores ,una composición rigurosa, un
trazo libre y exuberante y un gran dominio de los matices lumínicos, logrando con todo
ello una fusión dónde la materia plástica es el auténtico tema de investigación. |
| Tel: |
91 576 16 62
91 576 16 64 |
C/.
Hermosilla, 8
28001 - Madrid |
| Fax: |
91 577 87 88 |
| E-mail: |
kreisler@galeriakreisler.com |
URL: |
www.galeriakreisler.com |
Galería
de Arte Nadir
2276 |
Horario: De
martes a viernes de 18.00 a 20.00 h.
Miércoles de 18.00 a 22.30 h.
Sábados de 11.00 a 14.00 h.
Mañanas previa cita |
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Helga Dietrich
"Mucha gente y tres pajarracos"
Del 9 de abril al
10 de mayo de 2008
Inauguración:
Día 9 de abril a las 20.00 h. |
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Helga Dietrich:
"Mucha gente y tres pajarracos".
La Galería de Arte Nadir inaugura la exposición de Helga Dietrich, "Mucha gente y
tres pajarracos", el próximo miércoles 9 de abril, a las 20 horas.
Treintena de obras en técnicas mixtas sobre tela y papel , y 6 grabados, de la artista
Helga Dietrich. Con Títulos como Pajarraco Romántico, Desacuerdo, Los pensamientos son
libres, Al límite, su temática es siempre una reflexión ,desde la ironía,al
comportamiento humano. Con buena dosis de humor, gusta de provocar la duda sobre actitudes
personales ante la vida contemporánea. Conceptualmente se mueve entre lo poético y lo
satírico.
Pintura figurativa de cromatismo expresionista y trazo muy suelto. En esta colección
predominan los grises y blancos, con brotes muy gestuales de color que avivan las escenas
que narra.
Artista de origen alemán pero afincada y formada en Bellas Artes en España, tiene una
vasta trayectoria de más de 30 años, con exposiciones en distintas ciudades de Canada,
México, Suiza, Luxemburgo, Alemania y España, donde es muy conocida. Su obra está
representada en colecciones institucionales y privadas como Fundación Bancaja,
Ayuntamiento de Maguncia, Universidad Literaria de Valencia, Colegio de Arquitectos de
Madrid, Fondo de Arte Interarte de Valencia, Ayuntamiento de Maguncia y ZKH Bremen de
Alemania, Centro Cultural Nicolás Salmerón ...etc.La
muestra podrá visitarse en nuestro horario habitual hasta el próximo 10 de mayo. La
artista estará presente en la inauguración del próximo miércoles. |
| Tel: |
91 550 03 18
656 674 664 |
Pº.
Pintor Rosales, 58
28008 - Madrid |
| Fax: |
91 550 03 18 |
| E-mail: |
galerianadir@gmail.com |
URL: |
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Galería
de Arte Nela Alberca
2037j |
Horario: De
lunes a viernes de 10.00 a 14.00 h. y de 17.00 a 20.00 h.
Sábados previa cita. |
|
|
| Tel: |
91 401 50 96 |
C/.
Francisco Silvela, 45
28028 - Madrid |
| Fax: |
91 402 73 99 |
| E-mail: |
nela@nelaalberca.com |
URL: |
www.nelaalberca.com |
Galería
de Arte Nim
2248 |
Horario: De lunes a viernes de 12.00 a 14.30 h. y de 17.00 a 21.00
h.
Sábados de 12.00 a 14.30 h. |
| Tel: |
91 457 96 36 |
C/.
Uruguay, 3 (Metro Colombia)
28016 - Madrid |
| Fax: |
|
| E-mail: |
nim@nim-art-gallery.com |
URL: |
www.nim-art-gallery.com |
Galería
de Arte Zúccaro
2072 |
Abierto de lunes
a sábado.
Horario: De 10.30 a 14.00 h. y de 17.30 a 21.30 h. |
| Tel: |
91 431 54 23
91 576 63 42 |
C/.
Hermosilla, 38
28001 - Madrid
Parking Velázquez / Hermosilla |
| Fax: |
91 431 54 23 |
| E-mail: |
galeria@galeriazuccaro.com |
URL: |
www.galeriazuccaro.com |
Galería
Éboli
2094 |
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V MUESTRA DE ARTE
NAÏF EUROPEO
Del 12 de marzo al 8 de mayo 2008 |
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V MUESTRA DE ARTE NAÏF
EUROPEO.
LA PRIMAVERA DEL ARTE NAÏF
“Ils experiment sur leurs toiles la réalité la plus profonde et la plus
essentielle“ (Ellos experimentan sobre sus lienzos la realidad más profunda y más
esencial ),afirma el crítico de arte francés Jean Cassou. Y esto es lo que sucede en el
caso de los artistas naïf que, sin tener una formación previa en pintura crean, de forma
autodidacta, sus obras haciendo caso a la llamada interior de su corazón que les lleva a
reflejar la realidad más profunda y esencial siguiendo su propio instinto. No hacen caso
de perspectivas ni de proporciones desde el punto de vista didáctico; dejan de lado las
sombras pero llenan sus cuadros de luz; usan colores brillantes y frescos sin conjugarlos,
los contornos están bien definidos. Pintan pacientemente cada detalle del cuadro, de
forma minuciosa, con lo que no hay un solo rincón de la imagen sin pintar.La representación y la realidad son uno solo. Crean de forma
despreocupada y espontánea, atendiendo a su propia poética, sin un proyecto previo del
resultado que quieren obtener. Carecen de formas y estilos aprehendidos, el deber ser no
influye en ellos, no imitan técnicas ni a artistas consolidados.
La Galería Eboli, de la mano de su directora Amalia
Fernández de Córdoba, apostó en 2004 por el arte Naïf, celebrando la primera edición
de la Muestra de Arte Naïf Europeo, en la que participaron 37 artistas de 8 países
europeos. Para esta V edición, son 61 los artistas concurrentes, de 17 nacionalidades
además de Turquía como país invitado, con las pintoras Sema Çulam y Hikmet Karabucak,
ambas participantes en bienales de arte naïf en Serbia y Rumanía, respectivamente, y en
numerosas exposiciones individuales y colectivas en galerías turcas. A la vista está que
los objetivos de los comienzos se han cumplido y que este arte espontáneo se consolida en
una sociedad llena de clichés difíciles de contradecir.
La novedad de este año es la entrega del Premio al cuadro
más votado en la edición anterior, que ha recaído en “Fête des voisins”, de
Martha Kolodziej (cuadro más votado extranjero), que evoca a un puzzle en el que cada
pieza es una simbiosis perfecta de sus recuerdos de la tradición folclórica polaca y
normanda; y en “Inocencia”, de Victoria Ruiz de Cortazar (cuadro más votado
español), quien juega con las luces y los colores para plasmar diversos estados de
ánimo.
También se entrega el Premio Eboli por toda una
trayectoria pictórica a Ana María de Abadal, de España, cuya obra se encuentra en
importantes museos de España, Francia, Portugal e Italia; y a Bruno Epple, de Alemania,
considerado uno de los mejores artistas en la actualidad por su forma de trabajar tanto la
pintura como la cerámica, entre otras disciplinas culturales.
Una exposición realizada en el Salón de los
Independientes, retrospectiva de Henri Rousseu en 1911, llevó al arte Naïf a convertirse
en género artístico propio, que poco a poco saltó al mercado internacional desde
Francia. Este reconocimiento llegó a España en la década de los 70 de la mano de
Fernando Zobel y de Vallejo-Nájera y ha dado nombres reconocidos en el ámbito
internacional, como Manuel Moral, Bruno Epple, Joop Plasmeijer, Ilona Schmit, Juan Borras
II… algunos de ellos participantes en la muestra.
Ahora se reúnen artistas de muy diversos países europeos
que comparten un gusto común, ganas de narrar una historia y una misma idea de atraer al
espectador con sus pinturas inocentes llenas de significado. Reflejan en sus cuadros sus
variadas formas de ver el Naïf, porque cada uno lo ve desde su propia cultura, la de su
país, que plasma en el cuadro con sus óleos. Mientras que los artistas españoles
representan escenas más costumbristas y coloridas, los artistas nórdicos evocan las
actividades propias de la mar. O como en el caso del país invitado, Turquía, donde las
escenas son más orientales, con rasgos típicos árabes, la mujer rodeada de niños en la
casa, vestimentas ricas en dibujos estucados.
Son escenas costumbristas y folclóricas llenas de
alegría, paisajes nevados de Finlandia, campos ricos en frutos de Italia, pueblos
españoles, ferias, fiestas, animales… Lo mismo pintan un día de trabajo que un día
de domingo, a través de las cuatro estaciones. Es la jornada de mercado, una tarde de
merienda típica inglesa en el campo, las flores de Holanda, animales.
Son escenas que bien nos podrían recordar a nuestra niñez
y permiten que el tiempo no pase, como en una fotografía, donde la imagen queda grabada
tal como es superando el paso del tiempo.
En definitiva, un arte primitivo e ingenuo pero a la vez
refinado y exquisito.
Natividad López Ferreiro
Critico de arte de El Punto de las Artes |
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